Jane Ar

«Depuis que je suis de retour en ville, je vis dans cette chambre temporaire. Blanche, avec ce lit et cette porte vitrée qui s’ouvre pour que je me pavane nue, derrière la moustiquaire. J’erre dans les couvertures devant l’autre Jane Ar de la fenêtre. Elle étire ses jambes devant la vitre, les écarte pour regarder cette noirceur entre ses jambes.»

JANE AR EST UNE PERFORMANCE LITTÉRAIRE QUI DÉTOURNE LE GENRE DU JOURNAL EN BRISANT LE MUR DE L’INTIMITÉ POUR DÉVOILER CE QUI EST SECRET AU PUBLIC. EMPÊCHÉE PENDANT DE NOMBREUSES ANNÉES À ALLER VERS L’ÉCRITURE DE SOI, PRÉGNANTE DE RÉVÉLATIONS TROP INTIMES, L’ALTER EGO DE L’AUTRICE, JANE AR, PROCÈDE FINALEMENT À SON AUTO-ENGENDREMENT SUR SCÈNE, EN DONNANT UNE VOIX À SES INHIBITIONS.

Ariane Lessard est Jane Ar

Ariane Lessard est une autrice et performeuse québécoise. Elle amorce sa trajectoire littéraire avec Feue (La Mèche, 2018), un premier roman qui installe une écriture traversée par le deuil, la communauté et les forces souterraines du territoire. Elle poursuit avec École pour filles (La Mèche, 2020), où l’exploration des lignées féminines devient un lieu de friction entre mémoire, corps et transmission.

Son travail s’inscrit à la croisée de la littérature, de la performance et des arts vivants. Refusant le texte comme objet clos, elle le considère comme une matière instable, destinée à être déplacée, incarnée, mise en tension avec l’espace, la voix, la lumière et les dispositifs numériques. 

En collaboration avec des organismes de littérature vivante, notamment Rhizome, Ariane Lessard déploie des projets scéniques qui interrogent la notion de « persona », les récits de soi et les régimes contemporains de visibilité. Ses performances cherchent moins à représenter qu’à produire une expérience : un état de présence où le texte devient événement, où la lecture bascule vers l’immersion.

Au plateau, Ariane Lessard déploie une présence magnétique, portant l’intégralité de cette proposition sur ses épaules. Dans ce solo d’une grande intensité, l’autrice-performeuse ne se contente pas de dire son texte : elle incarne une psyché en pleine (r)évolution. Avec une vulnérabilité désarmante et une autorité scénique qui tient le public en haleine, elle dévoile ce qui, jusqu’ici, restait tapi dans l’ombre des journaux intimes.

Le spectacle repose sur sa capacité à naviguer entre les territoires privés de l’enfance et les vertiges de la vie numérique. Ariane Lessard y retrace avec acuité la place du genre, du sexe et de l’écriture. Elle questionne l’acte de rédiger des carnets à porte close : était-ce un acte de refoulement, au même titre que celui de dissimuler sa pansexualité, sa fluidité ou son travail du sexe ? 

Prisonnière d’un jeu de doubles entre l’autrice et son avatar numérique, Ariane se multiplie à travers Jane Ar. Dans un jeu de miroirs explorant la « feinte » des réseaux sociaux — ce sésame vers la post-vie numérique —, elle confronte l’image travaillée au corps réel, isolé dans sa chambre ou sa retraite en forêt.

Les spectatrices et spectateurs sont ainsi captivé·es par cette rencontre frontale avec Jane Ar, celle qui a permis la construction d’une double-vie avant le grand dévoilement : la femme virile sous une féminité exacerbée, la lesbienne dans le placard, la travailleuse du sexe dans l’ombre. Jane Ar est une oeuvre foncièrement féministe, inclusive et queer, portée par une artiste qui refuse désormais de se cacher.

Le dispositif

La quête l’autrice se déploie autour d’un fond de scène comme ceux qu’on retrouve dans les studios de photo (ci-après nommé backdrop). Celui-ci est disposé de telle façon qu’il devient un objet scénique signifiant et pas seulement, comme le nom de l’objet l’indique, un « fond de scène ». Cet objet dans l’espace deviendra au cours de la performance l’écran sur lequel est projeté quelque chose comme un imaginaire de l’autrice. Un imaginaire au sens d’un bassin d’images, lesquelles se situent quelque part entre l’herbier et l’égoportrait. L’objet-écran est placé au centre de l’espace. Il est remarquable, presqu’un thème. La performance tente par divers moyens d’épuiser les possibilités d’interactions signifiantes entre cet écran unique et le corps en scène de l’autrice-performeuse. Cela, sans grands artifices technologiques, seulement quelques caméras branchées en direct, quelques lumières et trois projecteurs vidéo. Le dispositif est volontairement simple pour rendre la relation écran/scène plus manifeste. 

Les trois projecteurs vidéo sont utilisés simultanément sur la même surface. Deux projettent de face, couvrant la partie verticale et celle au sol du backdrop. Le troisième projette de dos. Cette rétroprojection qui s’ajoute à celle de face, crée un fondu des images que la présence du corps de la performeuse dans l’espace peut modifier en entrant dans le faisceau de la projection. L’écran, les éclairages, les projecteurs vidéo et les caméras directes sont installés au niveau du sol de part et d’autre de l’écran justement pour cela, pour que la performeuse puisse interférer avec le dispositif. Ainsi, le corps de la performeuse participe à la composition de l’image et ce, de trois façons : en entrant dans le faisceau d’un projecteur vidéo, elle fait moduler le fondu d’image ; en entrant dans les faisceaux de lumière dirigés vers l’écran et destinés à en effacer l’image qui n’est désormais visible qu’à travers l’ombre portée de la performeuse ; en entrant dans le champ d’une caméra directe au moment où l’une d’entre elles s’active. 

Cette interactivité est directe, physique: la performeuse, en entrant dans le champ d’une caméra directe ou en interférant soit avec un projecteur vidéo soit avec des éclairages, participe à la composition de l’image et au parasitage de l’image/récit. Mais il y a une autre interactivité, numérique celle-là. Le musicien, présent sur scène, est aussi l’éclairagiste. C’est-à-dire que ce sont les notes qu’il joue qui détermine quelle lumière s’allume et c’est le volume de la note qui décide de son intensité. Si le lien entre instrument de musique et éclairages sera effectivement numérique, cela crée aussi un lien humain et performatif : le musicien devra être attentif aux actions de la performeuse, jouer de façon à créer les clairs-obscurs qui serviront le mieux la construction du récit-images. 

Le récit-image

Au récit-texte se joint un récit-images. Celui-ci est créé à partir des photographies et des autoportraits que l’autrice publie sur ses comptes Instagram @jesusmafille et @_jane_ar_. Ce récit-image — opérant en filigrane, souvent en sous-couche — émerge à certains moments pour prendre le relais de la parole. Parce que le texte relate une quête ontologique évoquant des pans très intimes de la biographie de l’autrice, un soin particulier sera apporté afin que le recours à l’image souligne tout en subtilité ce lien privilégié entre le texte et son intimité (révélée). 

L’artiste visuelle Noëlle Wharton-Ayer créera des compositions visuelles qui intègreront les égoportraits Instagram de l’autrice dans des univers visuels évocateurs. Sa pratique du collage, qui mélange images personnelles et éléments trouvés, résonne parfaitement avec l’exploration de l’identité fragmentée au coeur de Jane Ar. Ces collages seront projetés sur le fond de scène et pourront être manipulés en temps réel, créant ainsi des ponts entre la présence physique sur scène et la présence numérique.

L’artiste

Ariane Lessard est l’autrice de Feue (2018, La Mèche), finaliste aux Rendez-vous du premier roman et prochainement adapté au cinéma. Elle a également écrit École pour filles (2020, La Mèche) réédité en France (2022, la ville brûle). En 2021, elle était en résidence avec le Réseau des autrices francophones de Berlin pour le projet de l’Hôtel des autrices pour lequel elle a écrit un roman virtuel dont vous êtes l’héroïne Elles habitent une île. Elle signe des nouvelles dans plusieurs ouvrages collectifs dont le recueil Zodiaque qu’elle a coédité (2021, La Mèche), Ce qu’un jeune mari devrait savoir (2021, Marchand de feuilles), Stalkeuses, (2019, Québec Amérique) et les revues Lettres Québécoises, Zinc et XYZ. Elle a performé au Carrefour International de théâtre de Québec en 2024, un monologue extrait de son roman Jane Ar (2026, Rhizome).

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